音楽とは何か——70年の時間を往復する｜2026年11月30日 プラットフォーム#02 「未来からの音楽」

2026年11月30日（月）、東京・サントリーホール ブルーローズ（小ホール）にて、私がヴァイオリン奏者（何曲かはコンサートマスター）として参加している現代音楽アンサンブル「プラットフォーム」の第2回公演が開催されます。

今回の公演では、1950年代の戦後前衛音楽から、2000年代の実験的な作品、そして2026年に生まれる新作まで、8作品を演奏します。

また、作品ごとの照明演出や映像、舞台上だけにとどまらない演出も予定されており、従来の演奏会という枠組みそのものを問い直す、さまざまな試みが準備されています。

今回のプログラムを見ていて、私が特に興味深く感じているのは、その作品の組み合わせと演奏順です。

異なる時代、異なる美学によって生まれた作品を、一つの演奏会で聴くことには、どのような意味があるのでしょうか。

今回は、演奏家の立場から、この演奏会の意義、プログラミングについて少し考えてみたいと思います。

1951年に始まり、1952年に終わる演奏会

今回の演奏会は、カールハインツ・シュトックハウゼンの《クロイツシュピール》（1951）で始まり、同じ作曲家の《ピアノ曲 I〜IV》（1952）で幕を閉じます。

その間には、シモン・ステン＝アナーセンの3作品と、日本人作曲家3人の作品が配置されています。

演奏順に作曲年を並べてみると、

1951 → 2009 → 2026 → 2007 → 2022 → 2026 → 2007 → 1952

となります。

この並びから分かるように、今回のプログラムは、戦後から現在までの音楽史を年代順に紹介するものではありません。

1950年代から出発し、2000年代、そして2026年の現在を経由して、再び1950年代へと戻ってくる。

私は、この時間の往復に面白さを感じています。

なぜなら、演奏会の最後にシュトックハウゼンの《ピアノ曲 I〜IV》を聴くとき、私たちの耳は、最初に同じくシュトックハウゼンの《クロイツシュピール》を聴いたときとは少し変わっているかもしれないからです。

その間に、映像、電子音響、身体的な演奏行為、そして新作を経験している。

それらを通過した後で聴く1952年の作品は、単なる「70年以上前の前衛音楽」ではなく、今なお新しい響きや問いを持つ音楽として立ち現れるのではないでしょうか。

後に聴いた作品が、先に聴いた作品の意味を変える。

このような時間の往復こそ、今回のプログラミングの魅力の一つだと思います。

シュトックハウゼンとステン＝アナーセン——何を「作曲」するのか

今回のプログラムには、シュトックハウゼンの2作品と、ステン＝アナーセンの3作品が含まれています。

両者の間には半世紀以上の隔たりがありますが、私はそこに興味深い連続性を感じています。

カールハインツ・シュトックハウゼン（1928–2007）は、第二次世界大戦後のヨーロッパ前衛音楽を代表するドイツの作曲家です。セリー技法の発展や電子音楽、空間音楽など、20世紀後半の音楽に大きな影響を与えました。

1950年代初頭のシュトックハウゼンは、音高、音価、音域、強弱といった音楽を構成する要素を、徹底的に組織することを試みました。

従来の旋律や和声のあり方に依拠するのではなく、音楽を構成する原理そのものを問い直す試みです。

一方、シモン・ステン＝アナーセン（1976–）は、デンマーク出身の作曲家で、楽器の演奏行為や身体の動き、映像、電子音響などを取り入れた実験的な作品で知られています。音と視覚、演奏家の身体と楽器との関係を探究し、従来の音楽表現の枠組みを拡張してきました。

ステン＝アナーセンの作品では、作曲の対象がさらに広がります。

楽器から発せられる音だけでなく、奏者の身体の動き、楽器を操作する行為、摩擦、ノイズ、映像などが、音楽を構成する重要な要素となります。

例えば《チェンバレード・ミュージック》では、演奏家の身体的な身振りや、楽器が音を生み出す仕組みそのものが、作品の構造と深く結びついています。

もちろん、シュトックハウゼンが音だけを、ステン＝アナーセンが身体だけを扱っているわけではありません。

両者に共通しているのは、音楽とは何によって成り立っているのか、そして何を作曲の対象とすることができるのかという問いを、徹底して追究している点ではないかと思います。

このように考えると、二人の作品を同じ演奏会で聴くことは、単なる作風の比較にとどまらず、作曲という行為そのものの変化を考える機会にもなります。

過去の作品と、2026年の新しい音楽

今回の公演では、佐原洸《汐》と中嶋達郎《ロゴス、あるいはバイナリのホケトゥス》が、プラットフォームの委嘱作品として世界初演されます。

さらに、田中翔一朗《メメント・モリ》の電子音楽版も初演されます。

私が重要だと思うのは、これらの作品が、シュトックハウゼンやステン＝アナーセンと同じ演奏会の中に置かれていることです。

過去の重要な作品を演奏するだけなら、その演奏会は音楽史の紹介として成立します。

しかし、そこに新作が加わることで、演奏会の意味は変わってきます。

1950年代の作曲家が探究していたこと。

2000年代の作曲家が提示した新しい表現。

そして、2026年を生きる作曲家たちが、現在進行形で取り組んでいること。

それぞれが、一つの演奏会の中で出会うことになります。

もちろん、新作が過去の作品に直接応答するために書かれたとは限りません。

むしろ、それぞれの作品が独立した美学や問題意識を持っているからこそ、並べて聴くことで思いがけない共通点や相違点が見えてくるのではないでしょうか。

プログラミングという創造

私は、演奏会のプログラミングというものに、以前から強い関心を持っています。

自身の主宰する三島現代音楽祭MCMDやウクライナ・キーウでの現代音楽祭 Kyiv Contemporary Music Daysでも、その地の持つ特性やその時の自分自身の感覚のもと、各公演ごとにテーマを持たせてきました。

同じ作品であっても、何と組み合わせるか、どの順番で演奏するかによって、その印象は大きく変わります。

今回の公演でいえば、《クロイツシュピール》の直後に《ラン・タイム・エラー》の映像作品を置くこと。

ステン＝アナーセンの作品の間に、現代の日本人作曲家たちの作品を配置すること。

そして、すべての作品を聴いた後、再びシュトックハウゼンへ戻ること。

これらの配置には、それぞれ異なる作品の聴かれ方を変える可能性があります。

作品そのものを変えなくても、作品同士の関係を変えることによって、新しい音楽的な体験を生み出すことができる。

私は、ここにプログラミングの創造性があると考えています。

作曲家が音と音の関係を構成するように、演奏会の企画者は作品と作品の関係を構成する。

もちろん、プログラミングと作曲は同じ行為ではありません。

しかし、異なる要素を時間の中に配置し、その関係から一つの経験を生み出すという点では、共通する部分があるように思います。

今回のプログラムを構成した代表の田中さんの選曲にも、そのような創造性を感じています。

演奏会という形式そのものを問い直す

今回の公演では、作品ごとに照明による演出が施されるほか、映像や、舞台上だけにとどまらない演出も予定されています。

こうした試みも、今回のプログラミングを考えるうえで重要な要素だと思います。

私たちは普段、演奏会というものを、舞台上の演奏家が音楽を奏で、客席の聴衆がそれを聴くという、ある程度決まった形式の中で捉えています。

しかし、音楽を体験するということは、必ずしも音を聴くことだけに限定されるのでしょうか。

例えば、照明によって舞台の見え方が変われば、同じ音楽であっても、その受け止め方は変化するかもしれません。映像が加われば、視覚と聴覚の関係が新たに生まれます。また、舞台の外にまで演出が広がることで、演奏家と聴衆、舞台と客席という従来の境界も、違ったものとして意識されるでしょう。

これは、先ほど触れたステン＝アナーセンの作品とも、興味深く結びついています。

楽器から発せられる音だけでなく、身体の動きや視覚的な要素までも作曲の対象となるのであれば、演奏会という場そのものについても、同様の問いを向けることができるのではないでしょうか。

音楽を構成する要素を問い直すこと。そして、音楽を体験する場のあり方を問い直すこと。

この二つは、必ずしも別々の問題ではないように思います。

今回のプラットフォームでは、作品を演奏するだけでなく、照明、映像、空間的な演出も含めて、一つの演奏会を構成しようとしています。

それは、従来の演奏会形式を否定するということではありません。むしろ、その形式を当然のものとして受け入れるのではなく、音楽の可能性に応じて柔軟に捉え直そうとする試みなのだと思います。

作品同士の関係を構成するだけでなく、作品と空間、演奏家と聴衆、音と視覚の関係までを構成する。

今回の#02は、そうした意味でも、演奏会という形式そのものの可能性を探る公演になるのではないでしょうか。

70年前の音楽は、今どう響くのか

現代音楽という言葉から、私たちはしばしば「新しく作曲された音楽」を思い浮かべます。

しかし、現代音楽を演奏することの意味は、必ずしも新作を紹介することだけではないと、私は考えています。

70年以上前に書かれた作品であっても、現在の私たちが演奏し、聴くことによって、新しい意味を獲得する可能性があります。

今回の演奏会は1951年に始まり、1952年に終わります。

しかし、その間には2026年という現在が存在しています。

最後の《ピアノ曲 I〜IV》が鳴り終わったとき、最初に聴いた《クロイツシュピール》の印象が、少し違ったものになっているかもしれません。

新しい音楽を聴くということは、これまで知っていた音楽を、新しい耳で聴き直すことでもある。

11月30日の公演が、聴きに来られる方々にとってそのような発見のある時間となれば嬉しく思います。

プラットフォーム #02 公演詳細

2026年11月30日（月）19:00開演
サントリーホール ブルーローズ（小ホール）

プログラム

• カールハインツ・シュトックハウゼン：《クロイツシュピール》（1951）
• シモン・ステン＝アナーセン：《ラン・タイム・エラー》（2009／映像作品）
• 佐原洸：《汐》（プラットフォーム委嘱・2026年世界初演）
• シモン・ステン＝アナーセン：《イン・スパイト・オブ・アンド・メイビー・イーブン・ゼアフォア》（2007）
• 田中翔一朗：《メメント・モリ》（2022／電子音楽版初演）
• 中嶋達郎：《ロゴス、あるいはバイナリのホケトゥス》（プラットフォーム委嘱・2026年世界初演）
• シモン・ステン＝アナーセン：《チェンバレード・ミュージック》（2007）
• カールハインツ・シュトックハウゼン：《ピアノ曲 I〜IV》（1952）

公演詳細　https://ensembleplatform.tokyo/02musicoffuture/

チケット料金

一般：4,500円
学生：1,500円
中学生以下：500円

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